"Lo más gratificante eran los trabajos de creación". Entrevista a Pere Olivé

  
Pere Olivé Zaragoza (Barcelona, Sants, 1941), alma mater de la desaparecida Comics Forum (Grupo Planeta), nos habla de sus recuerdos durante su larga etapa como técnico editorial, quizá, de la editorial más popular que editara los cómics Marvel en nuestro país durante los ochenta y noventa. Un puesto, en el que permaneció hasta el año 2006, momento de su jubilación. Con motivo del 30 aniversario de la creación de dicha editorial, he querido entrevistar a mi admirado Pere Olivé, protagonista de tantas y buenas historias. He aquí unas palabras suyas: 

Recreación del origen de Forum, con Antonio Martín y Pere Olivé

-¿Cómo te comunicaron la creación de Forum? ¿Cuáles fueron tus primeras impresiones? 

Desde que cerró PALA, la editorial del Grupo Planeta que dirigía Luis Gasca en San Sebastián, quedaba abierta la idea de editar cómics de nuevo. Al presidente de la empresa José Manuel Lara Bosch le apetecía hacerlo. En 1982 llegó la propuesta, y en las redacciones de Editorial Planeta, tanto en Madrid como en Barcelona, se buscaron posibilidades para editar otra vez tebeos.
 

-Una vez establecidas las prioridades editoriales, bajo la dirección de Antonio Martín, ¿con qué cómic o revista te sentiste más identificado en los inicios en 1983? 

Aunque ya en 1982, se editaba La Espada Salvaje de Conan. Fue Antonio quien me propuso como director artístico, trabajo que consistía en elaborar un concepto gráfico para cada producto editorial, realizar y supervisar cada elemento visual que configura un tebeo, y seguir el proceso de producción desde la llegada de los materiales USA hasta la impresión definitiva de la edición española en los talleres. La redacción de Madrid se adelantó en la labor, y en abril de 1982, Mariano Ayuso logró sacar adelante La Espada Salvaje de Conan, Conan el Bárbaro y Conan Rey, además de las colecciones pulp de novela Círculo del Crimen y Biblioteca del Terror. En Barcelona empezamos un poco más tarde, ya que tanto Antonio como yo, debíamos terminar otros trabajos editoriales de libros y enciclopedias que nos habían encomendado.

-Aparte de tu trabajo como diseñador, dibujante y grafista, también ilustrabas de vez en cuando el correo del lector, Marvelmanía, y algunos artículos, ¿en cuál de estas áreas te sentías más cómodo? 

Aparte de dibujar, que es lo que más me gusta, nada resultaba demasiado cómodo, ya que las técnicas de aquel entonces eran un tanto rudimentarias. Había mucho trabajo de retoque, tanto en veloxes (copias fotográficas) como en fotolitos. Es obvio que lo más gratificante eran los trabajos de creación: logotipos, cubiertas, anuncios, portadillas o cabeceras de sección, pero el seguimiento de tanto trabajo llevaba muchas horas. Empezamos con la edición de comic books de Spiderman, La Masa (Hulk), Los 4 Fantásticos y Los Vengadores, pero en seguida se sumaron nuevas cabeceras hasta llegar a los 90 títulos al mes.

-Viviste muy de cerca el lanzamiento de la colección de Novelas Gráficas Marvel y los Extras de Superhéroes, ¿por qué crees que no funcionaron las ventas? ¿Quizá se adelantó a su tiempo este formato de publicación? 

Sí, las Novelas Gráficas nos dieron la oportunidad de trabajar con productos de mayor calidad, y ello fue un buen estímulo para todo el equipo. Dios ama, el hombre mata de Chris Claremont y Brent Eric Anderson fue la primera de ellas y conseguimos un óptimo resultado. Aunque las ventas no fueron espectaculares, nos complació que la edición gustara a los directivos de Marvel.
  

-¿Cuál fue la publicación de mayor éxito en Forum? ¿Cómo se decidía un título u otro para su publicación en la redacción bajo la dirección de Antonio Martín? 

Spiderman y La Patrulla-X junto a Lobezno y Los Nuevos Mutantes eran quizá los personajes que atraían más a los lectores de los primeros tiempos de Comics Forum. Pero un superéxito de ventas no llegó hasta 1992 con el lanzamiento de Dragon Ball. La decisión de publicar uno u otro título eran acuerdos del director editorial con el departamento de ventas y sus estudios o encuestas de mercadotecnia.

-También fuiste una de las personas con sección propia en Forum, bajo el pseudónimo de Profesor Olivorsio Aschumpeter. ¿Qué recuerdas de aquella etapa y de los lectores que escribían? 

 Desde el principio se contó siempre en Comics Forum con la opinión de los lectores. Tanto en los Correos como a través de la Línea Directa, atendíamos peticiones y sugerencias. Olivorsio Aschumpeter fue un personaje que nació en el Salón del Cómic de Barcelona de 1985, a través de una performance, una especie de show teatral que organizamos. Más tarde se convirtió en una sección fija como Correo del Lector en los tebeos de Los 4 Fantásticos. De los lectores que escribían, al que más recuerdo, porqué era el más constante y con mayor espíritu crítico, es a Bruno Orive, actualmente colaborador de Panini Comics con el equipo que coordina Julián Clemente.

-¿Cómo era el ambiente de la redacción en aquellos primeros años en la calle Córcega, y posteriormente en las calles Muntaner y Aribau de Barcelona? ¿Tenías relación directa con la redacción del paseo de la Habana en Madrid? 

El ambiente era formidable. Contábamos con muchos colaboradores expertos y eficaces. Algunas labores se iniciaban en Barcelona, terminaban en la redacción de Madrid, y una vez obtenidos los fotolitos, partía yo hacia Fuenlabrada, donde tenía lugar la impresión en unos talleres del Polígono industrial Cobo Calleja. También acudía a un polígono de Móstoles donde se imprimían las novelas de El Coyote de José Mallorquí, que también editaba Forum. 

 -¿Era habitual en tu trabajo lo de acudir a los talleres a supervisar la impresión? ¿La calidad de impresión de entonces era mejor que la de ahora? ¿Más artesanal? 

Entonces y ahora, la calidad depende del tiempo empleado y el nivel de profesionalidad. A mayor conocimiento del oficio, mejores resultados. Por supuesto, la precisión en Artes Gráficas es superior ahora por el avance de la tecnología, aunque había antes algunos grandes artesanos cuyos métodos han caído en desuso y concebían auténticas maravillas, tanto en fotograbado como en impresión y encuadernación. Talleres como los de Badía Hermanos o los de Juan Pasanau realizaron trabajos irrepetibles.

En la actualidad, como bien dices, la edición ha cambiado de forma abismal. ¿Cómo era trabajar con veloxes, aquellas copias fotográficas que mandaba Marvel? ¿Qué dificultades planteaba? 

Muchas. Ya que todo había que hacerlo recortando y pegando. De modo que tanto los textos de cada globo como los títulos de cubiertas y portadillas, logotipo incluido, debían ocupar en castellano exactamente el mismo espacio que el texto original en inglés. Ello obligaba a condensar las palabras en extremo. Por ejemplo el logo Motorista Fantasma tenía que llenar el mismo hueco donde ponía Ghost Rider. Y así con todos los logotipos, títulos y onomatopeyas. 

-Entre tus alumnos más aventajados estaba el amigo Ferran Delgado, de plena actualidad con PLOT 2.0. ¿Cómo fue trabajar con él? ¿En qué destacaba dentro de la elaboración de tebeos? 

Bueno, no eran alumnos sino colaboradores. Ferran Delgado hizo una gran labor para Forum, ya que estuvo casi desde el principio y a lo largo de trece años, participando en la creación y diseño de numerosos logotipos, anuncios y portadillas. Su modo de trabajar paciente, minucioso y concienzudo hacen de él un excelente profesional del medio. Pero hubo muchos colaboradores más. J. M. Ferrer Sirvent, Jordi y Eduard Solé, Julio y Álex Torres, Dani Barbero, Marce Hernández, Jesús Gómez, Carlos Monte (Montecarlo), Jordi Sempere y bastantes más... la lista sería interminable, ya que Forum fue por encima de todo, una labor de equipo.

-Tu asistencia al Salón del Cómic de Barcelona y a Expocómic en Madrid eran muy seguidas por tus encuentros con jóvenes valores de la historieta. ¿Qué autores te impactaron más, y cuáles de ellos llegaron a colaborar en Forum? 

Algunos se iniciaron en la Línea Laberinto, que fue un fracaso comercial, pero sirvió de trampolín para que nuevos autores se dieran a conocer. También realizaron ilustraciones para diversas publicaciones de Forum y hoy algunos de ellos son grandes autores. No hay más que ver el excelente trabajo de Josep Homs en Millenium o las mordaces viñetas de Enric Rebollo en Torrente y el descubrimiento de América, por citar sólo un par de Novelas Gráficas editadas recientemente por Planeta DeAgostini. 

 

-¿De qué etapa de Comics Forum te sientes más orgulloso? ¿Crees que plantasteis la semilla de las buenas ediciones de Marvel en España? 

Para mí la mejor labor, está en el trabajo que sigue al que otros empezamos. Algo muy hermoso en la vida de Forum, es que el mismo año en que nacían los primeros tebeos, nacía también la persona que es hoy en día el director editorial de la división de cómics de Planeta. David Hernando nació en 1982, mientras nosotros peleábamos con veloxes. Hoy es un flamante editor, doctorado en Literatura y Filología inglesa, y también autor de diversos libros, el último de ellos sobre la creación de Superman. Por lo tanto, el presente y el futuro de la edición de cómics en el Grupo Planeta está en buenas manos.

 Pere Olivé en el Expomic 2013

-¿Cómo viste la irrupción de los packagers en la editorial? ¿Era un paso inevitable de reducción de costes? ¿Cuáles fueron los primeros Estudios en trabajar para la editorial? 

Los equipos de Francis González, José Luis Roger y Marce Hernández fueron algunos de los primeros packagers con excelentes resultados. Lo de los costes lo llevaba otro departamento y desconozco qué métodos eran más rentables. También los estudios de Josep Maria Ricart, Álex Samaranch, Cels Piñol y otros equipos, se unieron a la labor de producciones externas.

-¿Qué publicación o publicaciones eran tus favoritas en Forum? ¿Leías todo el material que publicaba la editorial? 

Imposible leer toda la producción de Forum en épocas pretéritas cuando se publicaban 90 títulos cada mes. Tenía especial cariño por Aventuras Bizarras, y disfruté mucho también cuando empezamos a editar manga. Resulta muy creativo adaptar cómic japonés, y tuve ocasión de dibujar varios logotipos y diversas fuentes de letra para rotular bocadillos de series tan atractivas como Doraemon o Shin Chan.

-¿Qué balance haces hoy, después de los primeros 30 años de cómics en Planeta? Me refiero tanto en lo personal como en lo editorial. 

Creo que fue un tiempo bien empleado. Uno aprende sobre la marcha y es inevitable crecer un poquito tanto a nivel personal como profesional. No sólo por la experiencia adquirida, sino por la reflexión que nace de ella. También comportó renuncias. Me resultaba imposible compaginar la labor editorial con el Teatro y la Radio. Por ello, después de jubilarme, he retomado el antiguo camino de juglares y rapsodas.

-En la actualidad, ¿sigues las diferentes publicaciones de cómic del mercado? ¿Te queda tiempo entre tus colaboraciones en la radio o para la AACE (Asociación de Autores de Cómic de España)? 

Uno se adapta siempre al momento presente. En la actualidad me lleva mucho tiempo colaborar con Ràdio Desvern. También dibujo para dos revistas: Es Còdol (El Guijarro) de Calella de Palafrugell y La Vall de Verç de Sant Just Desvern, donde vivo. También colaboro en el boletín del Club de Natación Mediterrani donde soy socio de toda la vida, además de ir a tomar apuntes del natural al Círculo Artístico de Sant Lluc, donde también soy socio desde que tenía quince años. Y arañando tiempo como puedo, cumplo con mis obligaciones de abuelo. Por supuesto que leo cómics, pero sigo más de cerca los estrenos teatrales, ya que el arte de Talía es una de mis grandes aficiones.

-Y para despedirnos, ¿qué dirías a todos los lectores que forman parte de la Generación Forum? 

Que sean auténticos. Que disfruten haciendo aquello que más les guste. Todas las artes se dan la mano. Y si uno goza con el Cómic, el Teatro, el Cine, la Música, la Radio, el Deporte... todo lo que sea para vivir intensamente.

Muchas gracias por tus palabras.

Gracias a ti, Javier. Y a todo el que nos lea.

Al encuentro de Juanjo Sáez, y su Crisis (de ansiedad)

El pasado martes 26 de noviembre, tuve la fortuna de compartir una charla muy amena en la madrileña librería Panta Rhei, con al autor de “Crisis (de ansiedad)”, Juanjo Sáez. Un encuentro en el que participamos bloggers como Comic para Todos (Juan Rodríguez Millán y el redactor de cómic de la revista LH Magazin (Raúl Núñez Rolo). Una original iniciativa de la editorial Mondadori, que me supuso conocer de cerca, las inquietudes y motivos de Sáez dentro del humor gráfico, para presentar ante los medios, su última obra hasta el momento. Una conversación que el que nos aclaró a quién iba dirigida la obra: “a toda la gente, para quien lo quiera leer”. De igual manera nos hablo del miedo que la gente tiene en el cuerpo, por quedarse en el paro, o de perder su vivienda. Algo que conlleva a que los médicos receten ansiolíticos como el tranquimazín, como si fuera agua, como un ibuprofeno. En palabras del autor, ha llegado un momento en el que la gente comenta generalizadamente: “que está muy mal la cosa”. Así como que "el trabajo en España está fundamentado en el miedo, en vez crear un equipo de personas, e incentivos laborales". 

Otro de los temas que se tocó fue el de los salarios, el objetivo es que el salario mínimo es que se rebaje a los 400 euros, para competir con los chinos: "entonces dirán que el paro ha disminuido y la economía ha mejorado". La clase política actual tan desastrosa, de hoy día, o programas como Salvados, de Jordi Évole, son los que denuncian los desmanes de los primeros, y llegan a la gente. Con “Crisis (de ansiedad)”, Sáez, espera aportar su granito de arena, aportando su visión de la actual situación económica y política del país.

También nos comentó su paso por TV3, y la serie de Arròs Covat, y el tema de las audiencias, en el que todo es relativo. Así como de la profesión de dibujante, en el que se expuso el ejemplo de Paco Roca, que aunque parezca que venda su obra, no hay en España un auténtico Best Seller, dentro del Noveno Arte, así de estilo de “Sombras de Grey”. También se trató de la mayorías absolutas en la política; en un futuro tendrán que pactar varios partidos para ponerse de acuerdo: tiene que venir algo mejor más adelante.

Y de esta manera, uno se quedo encantado de departir sus ideas y pensamientos, con un autor como Juanjo Sáez; nos vino a ilustrar con su “Crisis (de ansiedad)”, el momento de cómo realmente está la gente, y que todavía hay esperanza de que algo cambie.

Tercera entrega de la entrevista a Fernando Fernández

Nueva entrega de la entrevista, a Fernando Fernández, donde el autor nos habla de su paso por Selecciones Ilustradas, y los trabajos de encargo que realizaban. 

Entrevista a Fernando Fernández, 2ª parte

Continuamos con la entrevista a Fernando Fernández por el amigo Enrique Alonso. Donde nos habla el autor de la modelos utilizadas, y la forma de dibujar con el proyector.

Entrevista al gran maestro Fernando Fernández, 1ª parte

El amigo Enrique Alonso, recupera para todos los amantes del cómic, una entrevista que hizo en 2007, al gran Fernando Fernández (Drácula, Zora, La leyenda de las cuatro sombras, Memorias Ilustradas). Uno de nuestros mejores artistas, tristemente desparecido en 2010. Os dejo con la primera parte, donde el autor nos habla de su etapa en Warren, los guiones y lo que sucedía originales de su obra y otros artistas.

“En esta historia yo me iba dejando llevar por los personajes”. Entrevista a Fran Jaraba

 

En este año, el autor vigués Fran Jaraba, nos ha regalado unas de sus mejores creaciones: “División azul” (Edicions de Ponent). Un intenso relato ambientado en la Segunda Guerra Mundial, con una premisa, ¿qué hubiera pasado si los rusos hubieran conseguido los documentos sobre el proyecto atómico nazi? Bajo esta idea, se cuenta una buena historia de intriga, y espionaje, inmerso en un conflicto bélico. Hoy entrevistamos a su autor, he aquí sus impresiones sobre su nuevo trabajo.

-¿Cómo surgió el proyecto de “División Azul”? ¿En qué obras te inspiraste para su realización? 

En un principio iba a construir una historia ambientada en las Brigadas Internacionales, pero cuando comencé a documentarme se me apareció la División Azul y ya me quedé ahí. Me di cuenta de que las Brigadas estaban ya bastante explotadas, y la División me pareció el escenario perfecto para mi historia. Es un contexto histórico muy interesante para situar una aventura de intriga y espionaje, engarzada con una situación de confrontación ideológica y conflicto personal interior. Al mismo tiempo se describe la vida en la División, que es algo poco conocido y también muy poco explotado. 

-En este trabajo, tu técnica en el dibujo se ve más suelta, con un cuidado del color muy certero, ¿qué paleta de colores son los que sueles utilizar de guía habitualmente? 

Pues soy un poco anárquico en eso. No selecciono previamente una paleta. Me divierto mucho usando los colores a capricho y luego trato de buscar la unificación por escenas jugando con la regulación digital del color. Al principio me planteé si dejar las imágenes en sepia o bitono, pero al final opté por un color poco saturado, como el del cine o los documentales de esa época. Algo parecido a lo que hizo Spielberg en Salvar al soldado Ryan, donde incorporó lentes auténticas de los años 40 en las cámaras. 

-¿Qué ha sido lo más difícil y lo más fácil a la hora de crear “División Azul”? 

Lo más fácil fue la propia historia, que salió con mucha fluidez, como si se escribiera sola. Y lo más difícil fue unificar gráficamente el color, como te explico en la pregunta anterior. 

-¿A quién tomaste como referencia, para el papel de Santiago Amado? El protagonista de “División Azul”.  

Santi no está conscientemente inspirado en ningún personaje real. Es una especie de “alter ego”, como Corto Maltés es el de Pratt. Esto es algo muy corriente y normal. Y después le escoges un físico (que es el que tenía un amigo mío a los veintitantos años), un nombre (de un sobrino mío) y un apellido (de otro viejo amigo mío) y lo pones a actuar. Vas siguiendo su evolución emocional. En esta historia yo me iba dejando llevar por los personajes, por Santi y por Marta. Ellos me llevaron a mí y al final acabó todo de forma natural en el punto que ellos quisieron.

 

-En tu anterior trabajo, la trilogía sobre Cuba, también está ambientada en una guerra, la de la Independencia de Cuba. ¿Tienes predilección por contar tus historias en el transcurso de conflictos bélicos? 

El contexto bélico es como un escenario teatral ultra-iluminado, ideal para tratar las cuestiones fundamentales de la existencia, ya que dentro él se consigue llevarlas a un punto especial de presión e intensidad. Esto ya lo sabían Homero y Shakespeare. Lo único que hay que evitar es contar las cosas desde un enfoque maniqueísta, con buenos y malos. En todo conflicto hay una amplísima gama de grises. Además, me gusta dejar claro que toda guerra es horrible. Y por supuesto, está siempre reflejado el sufrimiento de la población civil. 

-¿Cuándo veremos una edición en un formato digno, de “De sangre y ron mi Cuba”? 

Pues posiblemente pronto, aunque es más probable que se haga antes una edición en el continente americano que aquí. Estoy haciendo gestiones en ese sentido. 

 Max y Fran Jaraba, durante Viñetas desde el Atlántico. La Coruña 2013

-Dentro del Noveno Arte, ¿cuáles han sido los autores que más te han marcado? 

Los clásicos europeos: Pratt, Charlier-Giraud (El teniente Blueberry), Giardino… También los clásicos americanos: Alex Raymond, Caniff, Foster, Frank Robbins… Ellos inventan el lenguaje, y los europeos recogen el testigo y le dan madurez… Y luego vuelve a América para retroalimentar las creaciones de allí. Pasó algo parecido con el cine y el Rock. Es un trasvase interoceánico curioso. De Pratt, además de Corto Maltés, hay una serie menos conocida que me parece de lo mejor que se ha hecho en toda la historia: Los escorpiones del desierto. Y respecto a Blueberry, me releo toda la serie (ojo, sólo los de Charlier-Giraud) cada dos o tres años. Es una relectura obligada, como la del Quijote.

-¿Sigues la actualidad del cómic español? ¿Cómo ves el panorama? 

A nivel creativo mejor que nunca. El problema es que, al editarse tantos títulos (si comparamos con los que se editaban dos décadas atrás), la competencia en estante es feroz, el mercado español no es el franco-belga… y las tiradas son pequeñas. Esto se traduce en que es muy difícil vivir sólo de hacer comic, aunque hay unos pocos autores que lo consiguen. La mayoría lo simultanean con otros trabajos: ilustración, animación, enseñanza… y desarrollan sus proyectos personales (normalmente álbumes o novelas gráficas) paralelamente, en un proceso que dura un año o dos por cada obra, buscando más la propia expresión que la rentabilidad. Casi casi… por puro amor al arte, por seguir un impulso. Porque esto es lo que nos empuja a la mayoría de los que nos dedicamos a esto: la pasión por lo que hacemos, no el dinero. De todas maneras, si consigues colocar tu obra en otras lenguas, la historia puede cambiar. Ahora se va a editar División azul en varias lenguas Y se va a distribuir por Europa adelante, por medio de SAF comics. Ya te contaré dentro de unos meses, aunque no creo que me haga millonario. 

-¿Qué historia te gustaría contar en tu próximo trabajo? ¿Puedes adelantarnos algo? 

No lo tengo decidido todavía. Estoy buscando la historia. Sé que tarde o temprano aparecerá. Y de momento estoy ocupado en promocionar el libro: entrevistas, presentaciones, firmas... 

-¿Qué le dirías al lector que se acerque a tu obra, a “División Azul”? En tus palabras, ¿qué va a encontrar el lector en esta historia? 

Pues como está feo hablar de la propia obra, copipego algunas reseñas que me han llegado: 

“En este contexto histórico se sitúa División Azul (Edicions de Ponent), de Fran Jaraba, que mezcla realidad y ficción para contarnos una historia de espionaje clásico, con un estupendo guión y una cuidada ambientación”.

Rtve.es

“Una historia que gustará a los habituales del cómic europeo y cuya trama oscila entre el documento más histórico y el thriller de espionaje con acertadas licencias a la aventura y el amor”.

Banda Deseñada Cómics

“Magnífico trabajo el realizado por el autor gallego Fran Jaraba en División Azul (De Ponent), un relato de ficción histórica, género que parece vivir un renacimiento y que está siendo muy bien acogido por un amplio sector del público” .

Komic.es

“El buen sabor de boca que nos dejó De sangre y ron mi Cuba promete que esta nueva ración de aventuras no va a decepcionar a nadie. Y, como es habitual en las gráficas novelas de este también ilustrador, publicista y diseñador, no falta una afilada e intensa reflexión histórica. Y un extraordinario esfuerzo en la documentación. El tiempo y los escenarios que visitaremos son aquellos que vivieron los alistados españoles para luchar en el frente ruso durante la Segunda Guerra Mundial”.

La guía del cómic  

Muchas gracias por tus palabras, Fran. 

También podéis ver la reseña que hice en este blog, de División azul aquí

"A Pepe se le adoraba". Entrevista a Carlos Giménez

Hoy quiero presentaros la entrevista que he realizado al gran Carlos Giménez, con motivo de su nuevo trabajo, Pepe. La biografía en cómic de José González, uno de los grandes ilustradores de este país. Espero que la disfrutéis. 

Entrevista a Carlos Giménez, en la Cadena Ser

Con motivo de la aparición "España, una, grande y libre (DeBolsillo), de Carlos Giménez, Javier del Pino le entrevista en la Cadena Ser, en el programa de A vivir que son dos días. Podéis escucharla haciendo click en la imagen. 

Entrevista a Rosa Segura, En casa de Herrero

El pasado lunes, 2 de julio, la secretaria del TBO, Rosa segura, fue entrevistada en el programa de Luis Herrero, "En casa de Herrero", en la "Tertulia de los sabios". Os dejo con el video de la entrevista, y aquí el audio para descargar.

Entrevista a Hernán Migoya, y sus Nuevas Hazañas Bélicas

"Hemos abierto la puerta a que las artes se pueden fusionar". Entrevista a Luis Royo y Rómulo Royo

El pasado 3 de diciembre en el Expocómic de Madrid,  tuve el placer de entrevistar a dos grandes del Noveno Arte,  a Luis Royo y Rómulo Royo, con motivo de su nuevo trabajo: Malefic Time Apocalypse (Norma Editorial). Uno de sus proyectos más ambiciosos, para estos dos artistas internacionales.

Luis y Rómulo Royo

-¿Cómo surgió la idea de Malefic Time Apocalypse?

Luis  Royo. Es una idea muy vieja, viene de uno de los libros de ilustración que se llamaba Malefic (1993); en la portada salía ya el personaje con su espada y toda la simbología que tenía: ella ya llora una lágrima y lleva la capa. Rómulo era joven entonces, y tenía el tablero frente a frente con él, entonces hablamos ¿por qué no hacemos una historia de este personaje? Nos fuimos haciendo un cuadernillo con dibujos de los dos, caseros, para nosotros; luego Rómulo se pasó al mundo de la pintura, y yo seguí con muchos encargos. Vino de una época de trabajo muy fuerte para Estados Unidos, que no me dejaba casi ni respirar, y se fue quedando apartado. Entonces cuando hace tres años hicimos Dead Moon, retomamos la cosa, nos pusimos en serio, aunque yo me fui a otra ciudad, Rómulo se quedo en Madrid, pero ya estábamos trabajando; hacía dibujos, nos los enseñábamos, él seguía pintando pero ya dentro de Malefic, y empezamos a madurar la historia.

Rómulo Royo. Como cada uno trabajábamos en una ciudad al principio, si que nos encerramos aquí en Madrid dos años en un estudio, para poder desarrollar más ricamente todo el universo. De ahí surgieron más personajes que salen, definirlos más, dibujarlos como eran. Después surgió la novela (que ya le conocíamos), con Miguel Mesas; todo se fue enriqueciendo, ahora con un manga de Kenny Ruiz, se fue ampliando.

-Con Rómulo es tu segunda colaboración tras Dome, ¿cómo se lleva trabajar con parte de la familia?

LR. Lo tenemos muy establecido, desde el momento que estamos en el taller trabajando, ahí no hay familia, incluso hay disputas; al trabajar las dos personas en la misma obra, de alguna manera tenemos una gran ventaja. Nos conocemos muy bien cada uno, hasta donde dar, que parte uno le va a sacar mucho más provecho que la otra persona. Sabemos dejarle espacio al otro, me puedo ir de un trabajo, él sigue, pero también es verdad que a la hora de plantearlo podemos ser duros, no estar de acuerdo, incluso rompemos muchos papeles y muchas telas por eso; pues creo que esto hubiera ido mejor por este camino, esto hubiera de haber sido más de gesto.

RR. Sí que hay una parte, es verdad lo que dice Luis (cómo nos conocemos tanto), igual solamente a veces sin hablar, sólo con una mirada del otro, ya sabes si va bien la cosa, no hace falta a veces ni preguntarse. Esa parte (aunque también es dura), es muy bonita, y saber conocer al otro donde lo va a enriquecer mucho más.

-¿Cómo os habéis repartido el trabajo?

LR. Nos vamos dejando llevar por lo que pide en ese momento la historia; cómo se presentaría mejor Marduk (el personaje más duro y más malo), de una manera mucho más brusca; buscamos que nos vaya diciendo la misma obra lo que necesita, más que nosotros plantearlo. Llega Rómulo y dice (sobre todo si lo hacemos en tamaño grande), va a ser mucho más bestia cada trazo, va a ser más real, no va a ser manierista; nos vamos dejando llevar por cada obra.

RR. Hay partes que tienen que ser muy delicadas o preciosistas, Luis ahí lo va a resolver mucho mejor. A veces también es verdad que se esboza una idea, pero sabes que la esboza uno o se ha estado hablando entre los dos, y sabes que igual ahí, va a haber mano más del otro, aunque se han hecho unas ideas previas antes. Cada una no es algo matemático que vemos.

-Podríamos denominar Malefic Time como vuestro proyecto más ambicioso, libro, cd (Avalancha, 13 canciones)), manga (Kenny Ruiz), y novela (Jesús Viches). ¿Hasta dónde queréis explorar este universo multimedia?

LR. La ambición es mucha (casi da vergüenza hasta decirlo). Hemos abierto la puerta a que las artes se pueden fusionar, se pueden mezclar, se pueden enriquecer, y se puede traer un proyecto con muchas artes diferentes. ¿Dónde se cierra la puerta? Nosotros no queremos cerrarla, queremos llegar al videojuego, al mundo del cine; ahora no se está proyectando para una película, pero el personaje da para eso. Se está haciendo un videoclip con el director de cine Miguel Mesas, con una actriz; se está preparando el vestuario. No alcanzamos el nivel de poder hacer una película, porque cuesta mucho dinero; las pretensiones son no cerrar esa puerta, seguir ampliando.

RR. La secuencia de la historia, los planos y el ritmo de la novela gráfica, está pensado para eso; no lo dejamos, siempre lo tenemos presente. Otra cosa es lo que dice Luis, que ese es ya otro paso más, está con esas ideas.

LR. Incluso el mundo de las exposiciones, es otro canal que es independiente al cómic; está también previsto un calendario para que Malefic vaya por otro derrotero, que es el mundo de las galerías. Se presta a disfrutar el original.

RR. Llevo años en este tema, por eso está con esa idea de crear un universo en la exposiciones; es más de flechazos, también hay unas frases que son más poéticas. Es meter al público en un universo, porque también cada medio tiene su riqueza. El de las exposiciones es una cercanía mucho del espectador con la misma obra, con la misma pieza; es verdad que eso lo da las exposiciones, igual la materia, el tamaño, ver los colores reales, esa riqueza la da las exposiciones, como la novela gráfica te da otras.

-¿Qué nos podéis contar de Malefic Time? ¿Cómo creéis que los lectores recibirán este proyecto?

LR. Es una incógnita, acaba de salir, nos hemos tirado a la piscina. Es algo (que nosotros sepamos), que no se ha hecho, mezclar todo esto, es inesperado. Nosotros ya por el esfuerzo, por la gente que está metido en el proyecto, por la calidad que tienen todos, estamos interiormente convencidos de que va ir muy bien, pero es un salto al vacío, que también es lo bonito, es aventurar ¿por qué no?

Nueva York

-La primera historia transcurre en Nueva York ¿cómo os documentasteis y planteasteis la obra en el año 2038?

RR. Serán tres historias, esta que es la primera de Malefic Time en Nueva York, si que le hemos querido dar un aire más fotográfico en lo que son las ciudades, por eso hay tanta documentación con los edificios; en el siguiente quizá nos vayamos más a que tenga un aire a dibujo japonés, en algunos casos;siempre va ser una fusión de la ilustración en la pintura; cada historia va a tener un aire, y eso si que lo hemos hecho consciente, hasta en los tonos. En este primero, son tonos más verdosos, grisáceos, el de Tokio va a ser más colorista, y el de París casi nos iremos a dorados, anaranjados. La idea del 2038 surge ya de muchas profecías que hablan ya de ello, en realidad, hemos comenzado, según el I Ching, los egipcios, el calendario azteca.

LR. Cada historia irá referenciada a una cosa; si uno va mirando cosas así, desde el fin del mundo que hablaba del 2000 (en la cultura judío cristiana), pero que no es el 2000; los monjes que traducían en el Medievo cambiaron los años, realmente tenemos un calendario cambiado; te lo dicen los aztecas. Lo que comentaba Rómulo, los picos que se están estudiando de las grandes catástrofes, si sigues el calendario I Ching; culturas muy diferentes van a siempre a comentarte esto. A partir del 2012 hasta durante al menos 20 años o así, hay un cambio del hombre, del ser humano. Se interpreta el juicio final y el apocalipse como la desaparición del hombre, ninguna cultura lo nombra, nombra un cambio duro, que queda uno de cada tres. Toda la historia esta documentada en estas cosas, de hecho Luz, el personaje femenino, es precisamente lo que hace, lleva una espada, toda su obsesión es encontrarse así misma, que hace aquí y en el mundo. Documentarte en el pasado para entender el futuro o el presente de ella.

 Luz

-Siempre has estado interesado por el mundo femenino ¿qué es lo que más destacaría de ellas?

LR. El mundo femenino instintivo, interior, esta cosa que habla de la intuición. Esta historia incluso, es un poco eso, ella es un personaje femenino, se mueve entre dos fuerzas, la solar y la lunar. La solar sería un poco el mundo macho, la razón; y la lunar, la instintiva, la fértil, la de la diosa madre, la diosa tierra de siempre. A mí me interesa tanto eso, que igual por eso también le pongo tanto amor cuando hago una mujer, es que realmente, interiormente me interesa ese mundo femenino.

-Sobre el manga que va a hacer Kenny Ruiz, ¿qué nos puedes adelantar?

LR. Hay un esquema de guión, porque todas las historias tienen que coincidir, no coincidir en que cuenten lo mismo, para que no se contradigan; cada medio contará unas de las cosas. El manga narrará la historia de Soum, que es la amiga de Luz, y no la de Malefic. Hay que hacer una estructura de guión que sí que se le aporta al dibujante, él luego tiene que poner su sello, su personalidad, enriquecer ese guión; sino sería simplemente un trabajo de encargo, y el enfoque de este trabajo desde el principio, es que todos los colaboradores pueda aportar su sello; sino sería que hemos hecho un trabajo con mucha gente. Ahora con Kenny Ruiz, hemos estado discutiendo toda la historia del guión, él tiene que aportar, con su manera de contar, con su manera de ver, si no, no tiene sentido.

Muchas gracias por vuestras palabras.

A continuación de la entrevista, me encontré con Kenny Ruiz, al cual hice unas cuantas preguntas por su participación en Malefic Time.

-¿Qué valoración puedes hacer de este proyecto tan multidisciplinar?

Kenny Ruiz. Me parece una cosa sin precedente, un proyecto muy ambicioso, multimedia, muy visionario, muy mezclado con lo que se está necesitando en este tiempo, que se trabaje en diferentes ámbitos; la gente está muy acostumbrada al formato digital, pues meterlo también ahí. Una cosa que nunca se haya hecho, como mínimo, es una ofensiva tan interesante que me gusta mucho estar ahí en la trinchera. Por original sólo, y por valiente más.

-¿Sabes si va a continuar con un solo one-shot?

KR. Hemos hablado de hacer el mejor manga posible, que sea autoconclusivo, y esperar que funcione lo bastante bien para que merezca la pena hacer más. A priori, el planteamiento es sólo hacer uno, y contente a todo el mundo. Siempre hay expectativas, como autor, lo que me interesa es trabajar en los personajes lo bastante buenos, como para a la larga me salga a cuenta hacer más.

-¿El guión corre a tu cargo?

KR. Me han dado un marco histórico de su universo, con un principio y un final, y unos cuantos eventos importantes que tienen que suceder. En cómo lo cuente o el cómo va sucediendo, me están dejando mucha libertad. En cualquier caso yo creo que no va a ser tampoco lo que yo quiera, sino que vamos a trabajar muy codo con codo, les tengo que escuchar mucho; lo interesante de esto es que el proyecto se incruste genial en su universo. Quiero que el guión esté al servicio de todo el proyecto editorial.

-¿Qué fecha tiene de lanzamiento?

KR. Para el Salón del Manga de 2012 tiene que salir seguro, tengo que cumplir unas propias fechas autoimpuestas, y supongo que Norma querrá lanzarlo para esa fecha.

Muchas gracias por sus palabras.

Miguel Brieva y Memorias de la Tierra

Aquí os dejo un video con unas palabras sobre el nuevo trabajo de Miguel Brieva: Memorias de la Tierra (El otro mundo 2).

Entrevista a Juan Giménez, autor de Segmentos

Os dejo con parte de la entrevista realizada a Juan Giménez, durante la celebración de Expocómic, por el amigo Jesús Jiménez; en la que el autor nos habla de su nuevo trabajo para el mercado francés: Segmentos.

Loquillo presenta su nuevo trabajo

Fuente http://www.lasprovincias.es/v/20111006/sociedad/poemas-para-hombres-duros-20111006.html

Entrevista a Víctor Mora, en el XL Semanal

Con motivo del inmimente estreno  de la película de "Capitán Trueno y el Santo Grial", su creador, Víctor Mora, es entrevistado hoy domingo, por Fernando Goita, para el suplemento de ABC,  el XL Semanal número 1248. .

XL. ¿Cómo nació El capitán Trueno?
V.M. Los caballeros medievales, como El príncipe valiente, que defendían la libertad frente a la tiranía, siempre fueron mis héroes favoritos. Yo tenía 25 años. En aquella época, a Bruguera le funcionaban ese tipo de historias y les propuse al capitán Trueno. Era uno más de tantos guiones y personajes que había entregado en los más de seis años que llevaba allí. El capitán les gustó mucho, pero nadie esperaba tanto de él. Fue un éxito absoluto, algunas semanas vendía más de 350.000 ejemplares semanales. Una barbaridad para la época.

La entrevista completa aquí

“Toutain fue el gran animador de los cómics en España durante los años ochenta”. Entrevista a Javier Coma.

Hoy tengo el placer de entrevistar al señor Javier Coma (Barcelona, 1939), uno de los grandes teóricos del cómic español, autor entre otros, del libro “Espíritu de los comics” (e innumerables libros de cine), donde repasaba la obra del maestro Will Eisner y su The Spirit. En 2011 se cumplen 30 años desde su aparición de la mano de Toutain Editor, estas fueron sus palabras.

-¿Qué recuerda de aquel libro?

Recuerdo que fue un libro que hice con mucha ilusión, como en el campo de los cómics sólo he hecho. Escribí dos libros sobre obras concretas: uno fue el de “The Spirit” y otro el “Terry y los piratas” (Cuando la inocencia murió, Esuseve, 1988), los demás libros han sido sobre temas más generales. Tanto el uno como en el otro, disfrute de un tema apasionante, de entrar a fondo en una obra, buscar sus recovecos, las relaciones interiores, los posibles significados y describir todo este universo creativo lo mejor posible.

-Su admiración por Will Eisner fue constatada a lo largo de los numerosos escritos en revistas de Toutain Editor. ¿Cómo definiría su obra y la figura de Will Eisner?

Will Eisner era un hombre muy simpático, muy educado, muy gentleman, muy culto, que bebió en numerosas fuentes, diría que en las fuentes en las que menos bebió, fue precisamente en los cómics. Un hombre que se inspiro en la novela, en la radio, en el teatro, en el cine, sobre todo en muchos ejemplos en la naciente televisión (estoy hablando claro de lo que utilizo en The Spirit); y convirtió “The Spirit” en una especie de festival creativo, donde incorporaba hallazgos del lenguaje, que le habían sugerido precisamente la lingüística de diferentes medios expresivos.

Su gran obra con mucha distancia es de "The Spirit" entre los años 1946 y 1950, de esto podría decir que tuve un conocimiento completamente directo. En aquella época era un niño, pero por una serie de circunstancias recibía muchos diarios sudamericanos, con los suplementos de cómics; los recibía desde principios de los años cuarenta, porque entonces lo leían mis hermanos mayores. Lo que hice con estos periódicos era descuartizarlos y conservarlos por las páginas de las series, los suplementos de "The Spirit" ;los estuve leyendo en su mejor época, aquello era un festival, como era también un festival todos los cómics americanos de la época en sus mejores niveles, por supuesto.

-¿Cómo definiría a Josep Toutain como editor? ¿Cómo recuerda su colaboración?

Como editor era una persona que tenía por una parte un gran entusiasmo y unos enormes valores, por otra tenía sus límites en el terreno cultural, intelectual por llamarlo de alguna manera. Lo cual no afectaba en teoría que pudiera hacer obras, como la “Historia de los Cómics” en fascículos, y revistas que realmente eran las mejores de la época. Él fue el gran animador de los cómics en España durante los años ochenta, dejamos aparte el caso de Roberto Rocca, el ítaloamericano que estaba residiendo en Madrid; él fue quien realmente empujo todo el “boom” con la revista “Totem” y con otras muchas publicaciones; tanto álbumes como revistas que puso en el mercado. Creo que son dos figuras imprescindibles para comprender el “boom” de los cómics en España desde finales de los años setenta, hasta mediados de los años ochenta, que fue ya cuando decayó todo el tinglado.

Toutain y yo éramos amigos, me fui de viaje con él a Estados Unidos, allí fue donde tomé contacto con Milton Caniff, para revisar el libro sobre “Terry y los piratas”; comía muy a menudo con él, diría que Toutain y yo éramos amigos fundamentalmente y además trabajamos juntos. Nos divertíamos mucho porque teníamos un sentido del humor peculiar, unos gustos análogos: en los cómics, en la ilustración, en cine, etc. La diferencia entre Toutain y yo, es que yo era una persona leída, y él no. Toutain tenía un hándicap en la vida (todos tenemos hándicaps en la vida), y el de Toutain en el terreno de los cómics, es que le faltaba una cultura intelectual, a más alto grado, para hacer las revistas que yo hubiera querido hacer. Quiero decir, que mucho de lo que hizo, lo hizo uso mío, pero mucho de lo que intenté hacer, no lo quiso hacer; tuvimos una lucha constante entre amigos, en el que yo lo le sugería hacer una serie de cosas, y él a veces me decía que sí, y a veces me decía que no. Mi papel era precisamente el de sugerirle las cosas que creía que valían la pena, muchas cosas se quedaron por el camino, como colecciones de clásicos americanos, cosas que incluso en las cuales llegamos a trabajar de forma muy avanzada.

-¿Realmente hubo un “boom” del cómic y las revistas para adultos a comienzos de los años ochenta? 

Está clarísimo, ya empezó a finales de los setenta, se multiplicó, hubo un momento en que había, y creo que me quedo corto, unas 25 revistas mensuales en el mercado, y revistas digamos dignas todas ellas; aparte había más publicaciones de cómics, que ya no hace falta recordar. A principio de los ochenta, en el año ochenta y uno, ochenta y dos, llegó a haber unas 25 revistas mensuales de cómics, más o menos; ahora todas con este mal que aludía antes, en el que faltaba una apuesta cultural intelectual más alta. Esto era el décifit que tenía este mercado, y que creo que fue lo que provocó su final, por una razón muy sencilla, porque ese “boom” existió, gracias a que el público adulto era comprador de estas revistas. Un chaval no podía comprarse 25 revistas cada mes, no tenía el dinero, pero si que las compraban, y por esto se vendían tanto (en los kioscos ocupaban unos montones espectaculares), entre gente ya establecida de 35, 30 años, que ya se están ganando la vida, y que podían disponer de una cantidad de dinero. La prueba de que ese mercado existía, es que durante unos tres o cuatro años, esa gente se estuvo comprando esas revistas, ¿por qué se canso?, porque las revistas tenían una altura titular intelectual, a la cual las revistas no llegaban. Llegaba mucho contenido creativo de las revistas, muchas series de cómics sí que tenían este nivel cultural, pero es que después al nivel de los textos de redacción, la mayoría parecía que estuvieran dirigidos a niños. Esta es una discusión que tuve constantemente con Toutain, si yo fuera un lector que compro tu revista, me ofendería, porque me sentiría tratado como un idiota si veo que tratas al lector de esta manera. Evidentemente el “boom” falló, porque la gente con una cierta cultura, y que tenía el dinero para adquirir estas revistas se cansó, se cansó de ser tratadas como retrasados mentales.

Fernando Fernández, Josep Toutain y Javier Coma

-¿Qué cree que hubiera hecho falta para afianzar entre los lectores el cómic para adultos?

Primero ser mucho más riguroso con las historias publicadas, habían cosas que estaban muy bien y otras que francamente eran puro relleno. Dos, sobre todo el lenguaje de redacción, todo lo que eran textos, todo el tratamiento al lector, todo lo que eran artículos, todo esto tenía que estar como sí, estuviera dirigido a lectores cultos y adultos. No, esto está dirigido a como sí los lectores fueran los mismos que leían los tebeos de diez a veinte años atrás, estaba dirigido a los niños. Entonces, el lector adulto que se coge aquello y se ve tratado cómo fuera un niño, se va cabreando, hasta que llega un momento que deja de comprar aquella revista, deja de comprar otra revista, deja de comprar cómics, y es lo que paso; porque no se entiende un “boom” tan espectacular como el que hubo, en el espacio de nada, de tres años, cuatro, y una caída como la que hubo también en el espacio de tres, cuatro años, en el que todo ello sucedió dentro de la misma década. Creo que si no se mira desde este punto de vista (pueden caber más opiniones), es incomprensible todo este fenómeno. Tengo que decir en honor a Toutain, que él no seguía mi punto de vista, pero lo aceptaba, escribí en Toutain esto un montón de veces, en las revistas, en artículos largos y puntuales, etc., lo cual no tenía ningún mérito porque estaba más claro que el agua, el merito era de Toutain en publicar esto.

-Usted dirigió en 1983 la enciclopedia de “Historias de los Cómics, ¿qué retos tuvieron que afrontar para llevarla a cabo tan magna obra? ¿Qué recuerda de su edición?

La edición fue una cosa de locura, porque Toutain en vez de llevarla con tiempo, la quiso poner en marcha en el acto, como esto tenía aparición semanal cada fascículo, tuvimos que estar todo un año produciendo cada semana un fascículo a un ritmo imparable. Eran muchos detalles, eran las ilustraciones, las traducciones de los textos, todo lo que significaba unificar la obra de manera que no se dieran patadas unos textos con otros, todos los pies de las ilustraciones; aparte de lo que era la impresión, fue un trabajo increíblemente intenso y sobre todo a mucha rapidez. Lo que hicimos nosotros, fuimos cuarenta y dos expertos de trece países (que yo recuerde), hecho al mismo tiempo, expresamente para esto. Esto no se ha hecho ni antes ni después, una cosa de tales características y además de tal rigor; una de las cosas que nos preciábamos Toutain y yo, era que introducíamos, mucho, mucho, mucho rigor en todos los aspectos que podíamos: las ilustraciones, los originales. Si salía ilustraciones de un cómic italiano, se sacaban de revistas italianas, si era francés, de una revista francesa, y así sucesivamente. La documentación era de Toutain, Alfons Figueras y mía, la aportamos únicamente tres personas. Buscar las ilustraciones también era de lo más... todo esto estaba hecho de forma absolutamente manual, se puede imaginar.

-Entre las grandes obras de la época se encuentran títulos como Drácula de Fernando Fernández, Paracuellos de Carlos Giménez, Torpedo 1936 de Abulí y Bernet u Hombre de José Ortiz. ¿Qué valoración haría de estas obras? ¿Cree que marcaron estilo?

No puedo empezar hacer una valoración sobre estas obras, porque añadiría otras. Todas estas obras tenían su mérito, alguna más que otra, pero en fin el cómic español en aquel tiempo vivió una época buena, esto sí muy corta, muy corta. Aparte de Fernando Fernández, hemos de contar que existía Víctor de la Fuente, Carlos Giménez, Enric Sió, José María Beà, Luis García, una colección de creadores de cómics como nunca ni antes ni después, ha habido en este país; pero fue muy corta claro porque la caída de las revistas precipitó que casi todos ellos marcharan a trabajar en otras cosas, a otros terrenos. Por ejemplo Luis García y Fernando Fernández se dedicaron a ser pintores, a pintar cuadros, algún otro a la publicidad, abandonaron los cómics. Enric Sió empezó a hacer películas publicitarias, y en el extranjero ya habían publicado todos; la batalla del extranjero se había ganado antes, y mucho en parte gracias precisamente a Josep Toutain, que fue el que hizo allí de agente, etc., etc., y empezó a vender cómics españoles digamos en masa. Lo que se perdió fue con la caída del “boom”, una serie de creadores de cómics que pasaron a la pintura o la televisión, o la publicidad, a ilustraciones sin narración, facetas expresivas completamente distintas.

Bernet era muy bueno, el más joven de esta generación, porque prácticamente todos lo que estaba citando eran mayores. Bernet llegó prácticamente al final del “boom” de los cómics, cuando ya estaba en marcha esto, empezó a destacar con Torpedo, y se incorporó. Abulí y Bernet fueron un dúo muy importante, al igual de Bernet con el argentino Carlos Trillo.

-En 1987 regresa con unos fascículos, “Cómics clásicos y modernos”, para el suplemento El País semanal, ¿cómo surgió dicha propuesta? ¿Qué tema es el que más le gusto tratar?

Los fascículos surgen de El País, me llamaron a una reunión, vinieron a Barcelona de Madrid, me lo propusieron y lo pusimos en marcha en tres meses. Esto fue una idea pura y simple, ellos venían sin un concepto de estructura, evidentemente la sugerí yo; pero la idea de hacer los cuadernos estos, encuadernables, fue puramente de ellos.

Lo de El País está hecho en plan de privilegiar el cómic español, que era lo que no había, porque no había entonces nada así; tomando como guía, unos temas periodísticos que fueran del atractivo de un lector de diarios. Aquello no pretendía ser ni una enciclopedia, ni un diccionario, sólo una colección de temas, ilustrados además con obras, que pudieran ser atractivos para el lector general del diario.

Todo lo que trababa me gustaba o si no, no lo trababa. Creo que la obra con la que más disfrute, tratando sobre los cómics, fue el Diccionario que hice del año 1991, el de los cómics americanos (Diccionario de los comics: La edad de oro, Plaza y Janés), que fue lo que cerró ya la trilogía; y el libro sobre Milton Caniff, sobre “Terry y los piratas”. Estas son las dos cosas que he hecho en los cómics, con más gusto, con más ganas, con más avidez; por una razón muy sencilla, porque además eran las más originales internacionalmente.

-Veinte años después de no escribir artículos sobre cómics, y más centrado en el cine y la literatura, ¿ha seguido en forma alguna la evolución del Arte Secuencial como diría el maestro Eisner? ¿Hay alguna propuesta actual que le agrade?

No, en los cómics nunca, nunca empecé a dedicarme pensando que iba a escribir tanto sobre ellos. En la vida me he dedicado a varias cosas principalmente: la música de Jazz, la novela negra, los cómics, y el cine; de todo ello para mí lo fundamental es el cine. En el cine he escrito unos 33 libros, más o menos, la diferencia con los que escrito sobre cómics, fuera una docena, es enorme, aparte todos los artículos. Cuando yo empecé a escribir sobre los cómics (que fue en un diario de Barcelona, Tele eXpréss), entonces encontré, sin querer, con el “boom”, al cabo de nada tenía publicado cuatro libros, y escribía en un montón de revistas que estaban apareciendo en aquel momento. De tal forma, que los cómics realmente se convirtieron en mi manera de ganarme la vida, como esto fue subiendo, aunque el “boom” empezó a bajar, ya estaba muy situado; todo esto era muy difícil dejarlo (entre medias escribí sobre otras cosas), y llegó un momento en el que había que ponerle punto y final, y ese fue el Diccionario. Y aquí se acabo la historia, desde entonces sólo he publicado libros de cine.

-Para finalizar, en su opinión ¿cuáles son los cómics que le han dejado huella? ¿Qué autores cree que han pasado a la historia del Noveno Arte?

Las respuestas pueden ser subjetivas, pero después de haberlos estudiado durante de años, pero muy a fondo, creo que puedo contestar de forma objetiva. Para mí hay dos grandes autores de cómics por encima de todos, que son Al Capp, autor de “Li'l Abner”; no le dedique un libro, ni se me ocurrió, porque en España era prácticamente y sigue siendo desconocido, no podía. Con Milton Caniff ya pasaba algo por el estilo, pero no tanto, por lo menos la gente sabía quien era, entonces puede hacer el “Terry y los piratas”. Creo que estos dos han sido los más grandes, pero pondría a continuación el Popeye de Segar (que se acaba en el año 1938), el “The Spirit” de Will Eisner, por supuesto (por eso hice el libro), y Roy Crane (Captain Easy). El mejor de todos los autores españoles, está muy lejos de cualquiera de estos, esto no se puede ni comparar, ya pertenece a otra esfera. De toda la esfera española había algunos mejores, pero no se pueden comparar con los americanos, de ninguna manera.

Muchas gracias por sus amables palabras

A continuación reproduzco algunas portadas de los libros más representativos de su obra sobre el Noveno Arte, y la primera sección de comic de Javier Coma aparecida en el nº 7 la revista Totem (1977).

Los comics, un arte del siglo XX (Guadarrama, Madrid, 1978).

Del Gato Félix al gato Fritz (Gustavo Gili, Barcelona, 1979).

Y nos fuimos a hacer viñetas (Penthalon, Madrid, 1981).

El ocaso de los héroes en los comics de autor (Península, Barcelona, 1984).

Comics by Coma, Totem nº 7.

-Mi agradecimiento a Fernando Bernabón de Vallatebeo Ediciones, por algunas de las cubiertas de los libros de Javier Coma.

-Fernando Fernández, Josep Toutain y Javier Coma, foto (c) web Fernando Fernández